Claude Debussy: Auswahl aus seinen Liedern

Joaquín Turina: Poema en forma de canciones

Leoš Janáček: 6 Volkslieder (die Eva Gabel sang)

Alban Berg: Auswahl aus seinen Liedern

Richard Strauss: Vier letzte Lieder

Das Rezital von Pavol Breslik, eines der respektiertesten Tenöre der Gegenwart, präsentiert eine Auswahl aus dem Liedschaffen von Komponisten, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts für progressive Tendenzen in der Musik standen: Claude Debussy (1862–1918), der führende Vertreter des musikalischen Impressionismus, Alban Berg (1885–1935), ein Repräsentant der Zweiten Wiener Schule, Richard Strauss (1864–1949) als gewichtigster Vertreter der Traditionen der Spätromantik sowie Leoš Janáček (1854–1928), ein Einzelgänger, der sich keiner der musikalischen Strömungen des 20. Jahrhunderts zuordnen lässt. Es erklingen auch Lieder des bei uns selten aufgeführten spanischen Komponisten Joaquín Turina (1882–1949).

Autor: Jiří Zahrádka

Die ersten Dekaden des 20. Jahrhunderts waren für die Kunst eine Epoche der Suche nach neuen Wegen und Mitteln des Ausdrucks, und ganz besonders gilt dies für das Genre der Oper. Nachdem Janáček bereits in Jenůfa rasant neue Wege beschritten hatte, wagte er sich mit seiner vierten Oper Schickal in musikalischer wie in dramaturgischer Hinsicht erneut auf unbekanntes Terrain. Wie auch bei anderen Werken inspirierte ihn auch diesmal eine schöne Frau – die achtundzwanzigjährige Kamila Urválková, einst die Geliebte des Komponisten und Dirigenten Ludvík Čelanský und nunmehr mit einem Forstverwalter aus Zahájí verheiratet. Janáček machte ihre Bekanntschaft im August 1903 in Luhačovice. Kamila erzählte Janáček von ihrer Liebesbeziehung zu Čelanský, nach deren unglücklichem Ende Čelanský in seiner Enttäuschung die Oper Kamila geschrieben hatte, deren Titelfigur er als unreife und unbeständige Persönlichkeit schilderte. Janáček beschloss, ihrem Zauber verfallen, eine „ganz neue, moderne Oper“ zu schreiben, mit der er Kamilas guten Ruf wiederherstellen wollte. Nach der Heimkehr aus Luhačovice suchte er verzweifelt nach einem geeigneten Librettisten, der in der Lage wäre, seine Vorstellungen zu verarbeiten. Schließlich konnte er für diese Aufgabe die junge Lehrerin Fedora Bartošová gewinnen, eine Freundin seiner verstorbenen Tochter Olga. Schicksalbezeichnete Janáček nicht etwa als Oper, sondern als drei Romanepisoden, womit er klar macht, dass sich der Zuschauer in einem ganz anderen Umfeld wiederfindet als in seinen früheren Opern. Bereits die ersten Töne eines orchestralen Walzers entführen das Publikum in die gehobene Gesellschaft eines Kurbads; statt einfacher, natürlicher Prosa hört man eine Sprache im Stile dekadenter Poeten, und die Handlung tritt durch den Dialog der beiden Hauptfiguren, des Komponisten Živný und seiner Geliebten Míly, zutage. Auch hier jedoch schöpfte Janáček wie in seinen anderen Opern reichlich aus seinen Aufzeichnungen der Volkssprache. Trotz der unstrittigen musikalischen Qualitäten der Oper erlebte Janáček ihre Uraufführung nicht mehr. Nachdem das Stück ursprünglich in Brünn aufgeführt werden sollte, entschied sich Janáček für das Prager Theater in den Weinbergen, wo jedoch die Premiere trotz zahlreicher Versprechungen immer wieder aufgeschoben wurde und schließlich überhaupt nicht stattfand. Erst im Jahr 1934 bereitete Janáčeks Schüler Břetislav Bakala eine Fassung für den Rundfunk und 1954 auch eine Konzertaufführung vor. Als Oper wurde Schicksal erstmals am 25. Oktober 1958 unter der Regie von Václav Nosek in Brno aufgeführt.

Wenngleich Schicksal heute vor allem wegen seines spezifischen Libettos etwas im Schatten der anderen großen Opern Janáčeks steht, hat das Werk seinen festen Platz in der Operngeschichte wie auch in Janáčeks kompositorischer Entwicklung.

Autor: Patricie Částková

Die ersten Dekaden des 20. Jahrhunderts waren für die Kunst eine Epoche der Suche nach neuen Wegen und Mitteln des Ausdrucks, und ganz besonders gilt dies für das Genre der Oper. Nachdem Janáček bereits in Jenůfa rasant neue Wege beschritten hatte, wagte er sich mit seiner vierten Oper Schickal in musikalischer wie in dramaturgischer Hinsicht erneut auf unbekanntes Terrain. Wie auch bei anderen Werken inspirierte ihn auch diesmal eine schöne Frau – die achtundzwanzigjährige Kamila Urválková, einst die Geliebte des Komponisten und Dirigenten Ludvík Čelanský und nunmehr mit einem Forstverwalter aus Zahájí verheiratet. Janáček machte ihre Bekanntschaft im August 1903 in Luhačovice. Kamila erzählte Janáček von ihrer Liebesbeziehung zu Čelanský, nach deren unglücklichem Ende Čelanský in seiner Enttäuschung die Oper Kamila geschrieben hatte, deren Titelfigur er als unreife und unbeständige Persönlichkeit schilderte. Janáček beschloss, ihrem Zauber verfallen, eine „ganz neue, moderne Oper“ zu schreiben, mit der er Kamilas guten Ruf wiederherstellen wollte. Nach der Heimkehr aus Luhačovice suchte er verzweifelt nach einem geeigneten Librettisten, der in der Lage wäre, seine Vorstellungen zu verarbeiten. Schließlich konnte er für diese Aufgabe die junge Lehrerin Fedora Bartošová gewinnen, eine Freundin seiner verstorbenen Tochter Olga. Schicksalbezeichnete Janáček nicht etwa als Oper, sondern als drei Romanepisoden, womit er klar macht, dass sich der Zuschauer in einem ganz anderen Umfeld wiederfindet als in seinen früheren Opern. Bereits die ersten Töne eines orchestralen Walzers entführen das Publikum in die gehobene Gesellschaft eines Kurbads; statt einfacher, natürlicher Prosa hört man eine Sprache im Stile dekadenter Poeten, und die Handlung tritt durch den Dialog der beiden Hauptfiguren, des Komponisten Živný und seiner Geliebten Míly, zutage. Auch hier jedoch schöpfte Janáček wie in seinen anderen Opern reichlich aus seinen Aufzeichnungen der Volkssprache. Trotz der unstrittigen musikalischen Qualitäten der Oper erlebte Janáček ihre Uraufführung nicht mehr. Nachdem das Stück ursprünglich in Brünn aufgeführt werden sollte, entschied sich Janáček für das Prager Theater in den Weinbergen, wo jedoch die Premiere trotz zahlreicher Versprechungen immer wieder aufgeschoben wurde und schließlich überhaupt nicht stattfand. Erst im Jahr 1934 bereitete Janáčeks Schüler Břetislav Bakala eine Fassung für den Rundfunk und 1954 auch eine Konzertaufführung vor. Als Oper wurde Schicksal erstmals am 25. Oktober 1958 unter der Regie von Václav Nosek in Brno aufgeführt.

Wenngleich Schicksal heute vor allem wegen seines spezifischen Libettos etwas im Schatten der anderen großen Opern Janáčeks steht, hat das Werk seinen festen Platz in der Operngeschichte wie auch in Janáčeks kompositorischer Entwicklung.

Autor: Patricie Částková

Solisten: Kateřina Kněžíková (Sopran), Jana Hrochová (Alt), Jiří Brückler (Bariton), Boris Stepanov (Tenor)

Piano – Stanislav Gallin, Marcel Javorček, Martin Levický, Lenka Navrátilová

Josef Bohuslav Foerster (1859–1951): Die Weihe der Nacht, op. 87/I für Frauenchor und Klavier

Leoš Janáček (1854–1928): Die Wolfsspur, JW IV/39 für Sopran- und Tenorsolo, Frauenchor und Klavier

Josef Bohuslav Foerster (1859–1951): Abendlied, op. 89/b für Männerchor a capella

Leoš Janáček (1854–1928): Des Narren Irrfahrt, JW IV/43 für Sopran-, Tenor- und Baritonsolo und Männerchor a capella

Vítězslav Novák (1870–1949): Vier Chöre nach Gedichten von Otokar Březina, op. 47 – Auswahl (3. Magische Mitternächte, 4. Es sangen die brennenden Sterne) für gemischten Chor a cappella

Igor Strawinsky (1882–1971): Les Nocec, für Solostimmen, gemischten Chor, vier Klaviere und Schlagzeug

Das Konzert bietet einen Querschnitt durch die grundlegendsten Chorwerke böhmischer und mährischer Autoren aus den ersten zwei Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts (selbstverständlich wird dieser zeitliche Rahmen teilweise gesprengt). Das Komponistentrio Foerster – Novák – Janáček zeigte in dieser (nicht nur für das Musikschaffen) stürmischen Zeit neue Richtungen für die Chorkunst auf. Das gerade Janáčeks Schaffen eine ganz grundlegende Abkehr von der bis dahin geltenden Kompositionsweise von Chorwerken darstellte, ist offenkundig. Dies belegen auch die weiteren Chorwerke auf dem Programm dieses Konzerts. In seiner zweiten Hälfte wird schließlich eines der Schlüsselwerke des Chorschaffens im 20. Jahrhundert erklingen – Strawinskys Les Noces.

Für Josef Bohuslav Foerster waren die Jahre vor dem Krieg eine ungemein fruchtbare und glückliche Zeit. Der damals in Wien lebende Autor konnte sogar zwei seiner Werke bei der Universal Edition veröffentlichen, also einem Verlag, der die Schlüsselwerke der damaligen Musikszene Mitteleuropas herausgab. Der FrauenchorDie Weihe der Nacht mit Klavierbegleitung stammt aus dem Jahr 1910. Foerster schrieb dieses Stück nach einem Gedichttext von Christian Friedrich Hebbel ursprünglich für Orchesterbegleitung. Es stellt eine Art Nocturne mit bezaubernder Lautmalerei beim Chor wie bei der Begleitung dar. Der Männerchor Abendliedwurde 1916 nach einem Gedicht von Gustav Kellar komponiert und erschien wiederum bei der renommierten Universal Edition.

Janáček befasste sich mit Komposition für Frauenchor kurzzeitig zu Beginn des Jahres 1916, als er im Januar und Februar vier Chorwerke nach Texten von F. S. Procházka sowie die Wolfsspur nach einem Gedicht von Jaroslav Vrchlický komponierte. Dass er in den Kriegsjahren gerade Werke für Frauenchor schrieb, ist kein Zufall. Sein bewährter Sängerbund mährischer Lehrer war durch die Einberufung der Männer an die Front so weitgehend dezimiert, dass keine Konzertauftritte mehr möglich waren. Chorleiter Ferdinand Vach stellte daher einen Chor der mährischen Lehrerinnen zusammen. Im selben Jahr hatte auch die Wolfsspur ihre Premiere. Janáčeks Frauenchöre sind so anspruchsvoll, dass sie nur selten aufgeführt werden. Hier wird es nun eine Gelegenheit geben, Janáčeks unendlichen Einfallsreichtum und seine ganz außergewöhnliche Verwendung weiblicher Stimmen zu bewundern.

Der Männerchor mit Sopransolo Des Narren Irrfahrt entstand volle zehn Jahre nach drei Chorwerken Janáčeks zu Texten von Petr Bezruč. Im Jahr 1921 besuchte Janáček einen Vortrag von Rabindranath Thakur, wo er sich die Sprachmelodien des Dichters notierte und anschließend sogar ein Feuilleton zu diesem Thema verfasste. Die Welt dieses Denkers war Janáček offenbar nah, und so schrieb er kurz darauf im Jahr 1922 nach einem Gedicht Thakurs ein Chorwerk, das zweifellos zu den größten Meisterwerken dieses Genres gezählt werden kann. Janáčeks Manuskript mit einem Teil dieser Komposition ziert den Grabstein des Komponisten auf dem Brünner Zentralfriedhof.

Zu den international angesehenen Künstlern seiner Epoche zählte auch Vítězslav Novák. Wie im Falle Foersters leuchtet auch sein Stern gerade in den Jahren vor dem Krieg am hellsten. Die Gedichte Otokar Březinas, welche Novák in seinem gemischten Chor a cappella aus dem Jahr 1912 vertonte, stellen eine Art philosophische Meditation im Kontext des europäischen Symbolismus dar. Es handelte sich um das erste Werk für gemischten Chor, das Novák überhaupt komponierte. Das interpretatorisch überaus anspruchsvolle Stück erlangte angesichts seines geradezu mystischen Charakters keinen solchen Erfolg wie Nováks vorausgegangene Chorwerke, die ihre Inspiration aus der Volksmusik geschöpft hatten. Die vier Chöre nach Gedichttexten von Otokar Březina gehören zu Nováks herausragendsten Chorwerken.

Als Kontrast zum Musikschaffen in Böhmen und Mähren wird eines der großartigsten Chorwerke des 20. Jahrhunderts erklingen – Les Noces für Solostimmen, gemischten Chor, vier Klaviere und Schlagzeug aus der Feder von Igor Strawinsky. Der Autor begann die Arbeit an dem Stück bereits 1913 und vollendete die Partitur im Jahr 1917. In seiner Komposition verarbeitete er russische Hochzeitsgedichte aus der Sammlung von Pjotr Kirejewski. Les Noces entstand in zeitlicher Nachbarschaft zu Strawinskys berühmtestem Werk Le Sacre du Printemps. Hier wie dort ist die treibende Kraft des Stückes ein urwüchsiger, mitreißender Rhythmus. Die „Tanzszenen mit Musik und Stimmen“, wie der Untertitel des Werkes lautet, widmete der Komponist wiederum dem Russischen Ballett, wo das Stück 1923 in einer Choreografie von Bronislava Nijinska zur Aufführung kam. Obgleich Les Noces eines der markantesten Werke Strawinskys ist, wird es wegen seiner hohen Anforderungen an Interpretation und Ausstattung heute nur sehr selten aufgeführt.

Autor: Jiří Zahrádka

Das Ensemble der Ungarischen Staatsoper wird beim Festival Janáček Brno nicht zum ersten Mal dabei sein. Diesmal jedoch reist es nicht mit einer Janáček-Inszenierung an, sondern mit einer Oper, deren Entstehung in jene Zeit fällt, als Janáček an seiner stilistisch neuartigen Oper Schicksal schrieb. Ebenso wie Janáček mit Jenůfa und anschließend mit der Oper Schicksal beschritt auch Richard Strauss mit seiner Salome einen neuen Weg – den Weg zur Oper des 20. Jahrhunderts.

Mit der Entstehung von Strauss’ Salome verbindet sich eine Anekdote: Als Strauss im Jahr 1902 in Berlin ein Schauspiel des englischen Dramatikers Oscar Wilde besuchte, soll einer seiner Freunde zu ihm gesagt haben: „Das wäre doch ein Sujet für Sie!“ Worauf Strauss geantwortet haben soll: „Ich schreibe doch gerade daran…“ Es kann nicht verwundern, dass den Komponisten das aus dem Alten Testament stammende Sujet ansprach. Die dekadente Atmosphäre am Hofe des galiläischen Tetrarchen Herodes, der in einer inzestuösen Ehe mit der Frau seines Bruders lebt und auch noch seine Stieftochter Salome begehrt, bietet für eine Oper eine Reihe von expressiven Momenten.

Oscar Wilde hatte Salome ursprünglich für die berühmte Schauspielerin Sarah Bernhardt geschrieben, die in dem Stück jedoch nie auftrat. Das Stück erschien 1893 in Paris im Druck und wurde noch in derselben Saison auf der Bühne aufgeführt. In Deutschland wurde Salome erst im Jahr 1901 erstmals gespielt, dafür jedoch mit großem Erfolg, konnte doch die Berliner Inszenierung von Regisseur Max Reinhardt in seinem Kleinen Theater nicht weniger als 200 Vorstellungen verbuchen. Richard Strauss lernte Wildes Schauspiel 1902 kennen, als ihm der österreichische Dichter Anton Lindner eine Kopie des Textes mit dem Angebot sandte, ihn für Strauss zu einem Opernlibretto umzuschreiben. Der Komponist zeigte Interesse, und Linder schickte ihm zur Anschauung umgehend seine Version der einführenden Szene. Im November 1902 jedoch besuchte Strauss eine Vorstellung in Berlin. Die deutsche Übersetzung von Hedwig Lachmann fand sein Gefallen, und er kam zu dem Schluss, dass es möglich sein sollte, direkt Wildes Text zu vertonen. Nach weitreichenden Studien und einer Unterredung mit Romain Rolland entschloss sich Strauss zur Kürzung und Vereinfachung einiger Passagen des ursprünglichen Bühnentextes. Mit dem Komponieren begann er nicht sofort, da er, trotz intensiver Beschäftigung mit dem Thema der Salome, zeitgleich an einem umfangreichen Orchesterwerk arbeitete – der Sinfonia domestica, welche er im Juli 1903 fertigstellte. Im folgenden Jahre reiste er zum Dirigieren in die Vereinigten Staaten. Im Zeitraum zwischen seiner Rückkehr und Juni 1905 entstand der wesentliche Teil von Salome. Er komponierte in jeder freien Minute neben seiner Dirigententätigkeit, und viele Musikwissenschaftler weisen darauf, dass trotz der allgegenwärtigen Gewalt in der Handlung der Oper die Handschrift der Partitur ruhig und sauber ist.

Als er Salome vollendet hatte, kontaktierte Strauss Ernst von Schuch aus Dresden, um ihm die Leitung der Premiere anzubieten. Er versicherte dem Dirigenten, das neue Werk würde keine so schweren Chöre wie seine Oper Feuersnot enthalten (was der Wahrheit entspricht, da in Salome überhaupt keine Chöre vorkommen). Die Hauptrolle und der Orchesterpart sind dagegen doppelt so schwer wie in jeder seiner früheren Opern. Bei den Proben kam es zu Problemen – bei der ersten Probe wollten sogar die meisten Sänger ihre Rollen zurückgeben. Schuch bat Strauss um eine Verschiebung der Premiere, doch der Komponist gab nicht nach, und so erlebte denn Salome am 9. Dezember 1905 in Dresden ihre Uraufführung. Der Erfolg war gewaltig, und obgleich sich die Kirche über die Amoralität der Oper entrüstete, fand das Stück rasch den Weg auf die übrigen deutschen Bühnen. Gustav Mahler schrieb an seine Frau, nachdem er Salome in Wien erlebt hatte: „Dies ist entschieden das Werk eines Genies, sehr stark und gewiss eines der wichtigsten Werke unserer Tage. Ein lebendiger Vulkan unter einem Haufen Schlacke, ein unterirdisches Feuer – und nicht bloß ein Feuerwerk!“

Mit dieser Oper reihte sich Richard Strauss unter die führenden Vertreter der musikalischen Avantgarde ein. Salome markierte eine deutliche Weiterentwicklung gegenüber seinen vorausgegangenen Bühnenwerken. Ihre Sprache ist viel abenteuerlicher, und sie bleibt bis heute eines der Meisterwerke der Oper des 20. Jahrhunderts. Gleichzeitig ist sie von der Interpretation her überaus anspruchsvoll, und so hängt ihr Erfolg allein von den gesanglichen und untrennbar damit auch von den schauspielerischen Qualitäten der Darsteller der beiden Hauptfiguren Salome und Herodes ab.

Autor: Patricie Částková

Claude Debussy (1862-1918): Trois chansons de France (L 115) für Singstimme und Klavier

Claude Debussy: L´isle joyeuse für Klavier

Gustav Mahler (1860-1911): Kindertotenlieder für Singstimme und Klavier

Leoš Janáček (1854-1928): Mährische Volkspoesie in Liedern (JW V/2) für Singstimme und Klavier

Leoš Janáček: 1. X. 1905 (Von der Straße) (JW VIII/19)

In seinem Rezital präsentiert der herausragende Sänger Tomáš Král das Liedschaffen dreier Autoren, die innerhalb einer Zeitspanne von weniger als zehn Jahren geboren wurden und später zu den respektiertesten Musikschöpfern zählten, welche die Türen für die Musik des ungestümen 20. Jahrhunderts öffneten. Auch die in diesem Konzert vorgestellten Lieder entstanden in enger zeitlicher Nachbarschaft zwischen 1892 und 1904 – und doch scheinen Welten zwischen ihnen zu liegen…

Die Trois chansons de France von Claude Debussy (1862–1918) entstanden im Jahr 1904, und ihr Autor widmete sie der Sängerin Emma Bardac. Zwei der drei Lieder sind Rondels nach Versen von Charles d´Orléans aus dem 15. Jahrhundert, das dritte basiert auf einem Gedicht von Tristan L´Hermite aus dem 17. Jahrhundert.

Gustav Mahler (1860–1911) schrieb seine Kindertotenlieder in den Jahren 1901 und 1904. Er schöpfte aus der Sammlung Friedrich Rückerts aus den Jahren 1833–34, wählte jedoch aus den 428 Gedichten lediglich fünf für seinen Zyklus aus. Die Lieder waren ursprünglich für Altstimme und Orchesterbegleitung geschrieben. Die Melodik dieser Lieder, in deren Texten Rückert auf den Tod seiner zwei Kinder reagiert, hinterlässt durch ihre ungewohnte Natürlichkeit (die sich der eines Volksliedes nähert) einen ungemein starken Eindruck. Der Zyklus gehört zu den Höhepunkten in Mahlers Liedschaffen.

Die Mährische Volkspoesie in Liedern stellt mit 53 Liedern den umfangreichsten Liedzyklus Leoš Janáčeks (1854–1928) dar. Der Komponist arbeitete an diesem Zyklus in den Jahren 1892–1901, also in jener Epoche, in der auch seine Oper Jenůfa Gestalt annahm. Janáček widmete sich ab etwa 1888 intensiv der Volksmusik und dem Sammeln von Volksliedern, wobei diese Tätigkeit gerade in den Neunzigerjahren ihren Höhepunkt erreichte, als sie auch einen sehr großen Einfluss auf Janáčeks Kompositionstätigkeit gewann. Dem Volkslied blieb er jedoch sein Leben lang treu. Auch Adaptionen von Volksliedern für Singstimme und Klavierbegleitung widmete er sich etliche Jahre. In gewisser Weise dienten sie ihm als Experimentierfeld, weshalb diese Lieder einen ganz besonderen Platz im Werk des Komponisten einnehmen. Im Jahr 1892 gab der Verleger Šolc die zweite Auflage der Sammlung Ein Strauß mährischer Volkslieder heraus, „gebunden von František Bartoš und Lev Janáček“. Bei dieser Gelegenheit fragte der Verleger bei Janáček an, ob dieser nicht zu den Liedern noch eine Klavierbegleitung hinzufügen könnte. Janáček entsprach diesem Wunsch bei fünfzehn Liedern, die Šolc 1893 im ersten Heft herausgab. Das zweite Heft erschien erst 1902, als der Verleger die restlichen 38 Lieder veröffentlichte. Alle zusammen erschienen sie erst 1908 unter dem Titel Mährische Volkspoesie in Liedern. Lediglich vier der Lieder erklangen 1904 in Brno. Der komplette Zyklus wurde zu Janáčeks Lebzeiten offenbar nie aufgeführt.

Im Rahmen des Konzertes werden auch zwei Klavierstücke zu hören sein: die Ballade slave von Claude Debussy aus dem Jahr 1890 sowie das Werk 1. X. 1905 (Von der Straße) von Leoš Janáček aus dem Jahr 1905.

Autor: Jiří Zahrádka

Das Ensemble der Ungarischen Staatsoper wird beim Festival Janáček Brno nicht zum ersten Mal dabei sein. Diesmal jedoch reist es nicht mit einer Janáček-Inszenierung an, sondern mit einer Oper, deren Entstehung in jene Zeit fällt, als Janáček an seiner stilistisch neuartigen Oper Schicksal schrieb. Ebenso wie Janáček mit Jenůfa und anschließend mit der Oper Schicksal beschritt auch Richard Strauss mit seiner Salome einen neuen Weg – den Weg zur Oper des 20. Jahrhunderts.

Mit der Entstehung von Strauss’ Salome verbindet sich eine Anekdote: Als Strauss im Jahr 1902 in Berlin ein Schauspiel des englischen Dramatikers Oscar Wilde besuchte, soll einer seiner Freunde zu ihm gesagt haben: „Das wäre doch ein Sujet für Sie!“ Worauf Strauss geantwortet haben soll: „Ich schreibe doch gerade daran…“ Es kann nicht verwundern, dass den Komponisten das aus dem Alten Testament stammende Sujet ansprach. Die dekadente Atmosphäre am Hofe des galiläischen Tetrarchen Herodes, der in einer inzestuösen Ehe mit der Frau seines Bruders lebt und auch noch seine Stieftochter Salome begehrt, bietet für eine Oper eine Reihe von expressiven Momenten.

Oscar Wilde hatte Salome ursprünglich für die berühmte Schauspielerin Sarah Bernhardt geschrieben, die in dem Stück jedoch nie auftrat. Das Stück erschien 1893 in Paris im Druck und wurde noch in derselben Saison auf der Bühne aufgeführt. In Deutschland wurde Salome erst im Jahr 1901 erstmals gespielt, dafür jedoch mit großem Erfolg, konnte doch die Berliner Inszenierung von Regisseur Max Reinhardt in seinem Kleinen Theater nicht weniger als 200 Vorstellungen verbuchen. Richard Strauss lernte Wildes Schauspiel 1902 kennen, als ihm der österreichische Dichter Anton Lindner eine Kopie des Textes mit dem Angebot sandte, ihn für Strauss zu einem Opernlibretto umzuschreiben. Der Komponist zeigte Interesse, und Linder schickte ihm zur Anschauung umgehend seine Version der einführenden Szene. Im November 1902 jedoch besuchte Strauss eine Vorstellung in Berlin. Die deutsche Übersetzung von Hedwig Lachmann fand sein Gefallen, und er kam zu dem Schluss, dass es möglich sein sollte, direkt Wildes Text zu vertonen. Nach weitreichenden Studien und einer Unterredung mit Romain Rolland entschloss sich Strauss zur Kürzung und Vereinfachung einiger Passagen des ursprünglichen Bühnentextes. Mit dem Komponieren begann er nicht sofort, da er, trotz intensiver Beschäftigung mit dem Thema der Salome, zeitgleich an einem umfangreichen Orchesterwerk arbeitete – der Sinfonia domestica, welche er im Juli 1903 fertigstellte. Im folgenden Jahre reiste er zum Dirigieren in die Vereinigten Staaten. Im Zeitraum zwischen seiner Rückkehr und Juni 1905 entstand der wesentliche Teil von Salome. Er komponierte in jeder freien Minute neben seiner Dirigententätigkeit, und viele Musikwissenschaftler weisen darauf, dass trotz der allgegenwärtigen Gewalt in der Handlung der Oper die Handschrift der Partitur ruhig und sauber ist.

Als er Salome vollendet hatte, kontaktierte Strauss Ernst von Schuch aus Dresden, um ihm die Leitung der Premiere anzubieten. Er versicherte dem Dirigenten, das neue Werk würde keine so schweren Chöre wie seine Oper Feuersnot enthalten (was der Wahrheit entspricht, da in Salome überhaupt keine Chöre vorkommen). Die Hauptrolle und der Orchesterpart sind dagegen doppelt so schwer wie in jeder seiner früheren Opern. Bei den Proben kam es zu Problemen – bei der ersten Probe wollten sogar die meisten Sänger ihre Rollen zurückgeben. Schuch bat Strauss um eine Verschiebung der Premiere, doch der Komponist gab nicht nach, und so erlebte denn Salome am 9. Dezember 1905 in Dresden ihre Uraufführung. Der Erfolg war gewaltig, und obgleich sich die Kirche über die Amoralität der Oper entrüstete, fand das Stück rasch den Weg auf die übrigen deutschen Bühnen. Gustav Mahler schrieb an seine Frau, nachdem er Salome in Wien erlebt hatte: „Dies ist entschieden das Werk eines Genies, sehr stark und gewiss eines der wichtigsten Werke unserer Tage. Ein lebendiger Vulkan unter einem Haufen Schlacke, ein unterirdisches Feuer – und nicht bloß ein Feuerwerk!“

Mit dieser Oper reihte sich Richard Strauss unter die führenden Vertreter der musikalischen Avantgarde ein. Salome markierte eine deutliche Weiterentwicklung gegenüber seinen vorausgegangenen Bühnenwerken. Ihre Sprache ist viel abenteuerlicher, und sie bleibt bis heute eines der Meisterwerke der Oper des 20. Jahrhunderts. Gleichzeitig ist sie von der Interpretation her überaus anspruchsvoll, und so hängt ihr Erfolg allein von den gesanglichen und untrennbar damit auch von den schauspielerischen Qualitäten der Darsteller der beiden Hauptfiguren Salome und Herodes ab.

Autor: Patricie Částková

Das Ensemble der Ungarischen Staatsoper wird beim Festival Janáček Brno nicht zum ersten Mal dabei sein. Diesmal jedoch reist es nicht mit einer Janáček-Inszenierung an, sondern mit einer Oper, deren Entstehung in jene Zeit fällt, als Janáček an seiner stilistisch neuartigen Oper Schicksal schrieb. Ebenso wie Janáček mit Jenůfa und anschließend mit der Oper Schicksal beschritt auch Richard Strauss mit seiner Salome einen neuen Weg – den Weg zur Oper des 20. Jahrhunderts.

Mit der Entstehung von Strauss’ Salome verbindet sich eine Anekdote: Als Strauss im Jahr 1902 in Berlin ein Schauspiel des englischen Dramatikers Oscar Wilde besuchte, soll einer seiner Freunde zu ihm gesagt haben: „Das wäre doch ein Sujet für Sie!“ Worauf Strauss geantwortet haben soll: „Ich schreibe doch gerade daran…“ Es kann nicht verwundern, dass den Komponisten das aus dem Alten Testament stammende Sujet ansprach. Die dekadente Atmosphäre am Hofe des galiläischen Tetrarchen Herodes, der in einer inzestuösen Ehe mit der Frau seines Bruders lebt und auch noch seine Stieftochter Salome begehrt, bietet für eine Oper eine Reihe von expressiven Momenten.

Oscar Wilde hatte Salome ursprünglich für die berühmte Schauspielerin Sarah Bernhardt geschrieben, die in dem Stück jedoch nie auftrat. Das Stück erschien 1893 in Paris im Druck und wurde noch in derselben Saison auf der Bühne aufgeführt. In Deutschland wurde Salome erst im Jahr 1901 erstmals gespielt, dafür jedoch mit großem Erfolg, konnte doch die Berliner Inszenierung von Regisseur Max Reinhardt in seinem Kleinen Theater nicht weniger als 200 Vorstellungen verbuchen. Richard Strauss lernte Wildes Schauspiel 1902 kennen, als ihm der österreichische Dichter Anton Lindner eine Kopie des Textes mit dem Angebot sandte, ihn für Strauss zu einem Opernlibretto umzuschreiben. Der Komponist zeigte Interesse, und Linder schickte ihm zur Anschauung umgehend seine Version der einführenden Szene. Im November 1902 jedoch besuchte Strauss eine Vorstellung in Berlin. Die deutsche Übersetzung von Hedwig Lachmann fand sein Gefallen, und er kam zu dem Schluss, dass es möglich sein sollte, direkt Wildes Text zu vertonen. Nach weitreichenden Studien und einer Unterredung mit Romain Rolland entschloss sich Strauss zur Kürzung und Vereinfachung einiger Passagen des ursprünglichen Bühnentextes. Mit dem Komponieren begann er nicht sofort, da er, trotz intensiver Beschäftigung mit dem Thema der Salome, zeitgleich an einem umfangreichen Orchesterwerk arbeitete – der Sinfonia domestica, welche er im Juli 1903 fertigstellte. Im folgenden Jahre reiste er zum Dirigieren in die Vereinigten Staaten. Im Zeitraum zwischen seiner Rückkehr und Juni 1905 entstand der wesentliche Teil von Salome. Er komponierte in jeder freien Minute neben seiner Dirigententätigkeit, und viele Musikwissenschaftler weisen darauf, dass trotz der allgegenwärtigen Gewalt in der Handlung der Oper die Handschrift der Partitur ruhig und sauber ist.

Als er Salome vollendet hatte, kontaktierte Strauss Ernst von Schuch aus Dresden, um ihm die Leitung der Premiere anzubieten. Er versicherte dem Dirigenten, das neue Werk würde keine so schweren Chöre wie seine Oper Feuersnot enthalten (was der Wahrheit entspricht, da in Salome überhaupt keine Chöre vorkommen). Die Hauptrolle und der Orchesterpart sind dagegen doppelt so schwer wie in jeder seiner früheren Opern. Bei den Proben kam es zu Problemen – bei der ersten Probe wollten sogar die meisten Sänger ihre Rollen zurückgeben. Schuch bat Strauss um eine Verschiebung der Premiere, doch der Komponist gab nicht nach, und so erlebte denn Salome am 9. Dezember 1905 in Dresden ihre Uraufführung. Der Erfolg war gewaltig, und obgleich sich die Kirche über die Amoralität der Oper entrüstete, fand das Stück rasch den Weg auf die übrigen deutschen Bühnen. Gustav Mahler schrieb an seine Frau, nachdem er Salome in Wien erlebt hatte: „Dies ist entschieden das Werk eines Genies, sehr stark und gewiss eines der wichtigsten Werke unserer Tage. Ein lebendiger Vulkan unter einem Haufen Schlacke, ein unterirdisches Feuer – und nicht bloß ein Feuerwerk!“

Mit dieser Oper reihte sich Richard Strauss unter die führenden Vertreter der musikalischen Avantgarde ein. Salome markierte eine deutliche Weiterentwicklung gegenüber seinen vorausgegangenen Bühnenwerken. Ihre Sprache ist viel abenteuerlicher, und sie bleibt bis heute eines der Meisterwerke der Oper des 20. Jahrhunderts. Gleichzeitig ist sie von der Interpretation her überaus anspruchsvoll, und so hängt ihr Erfolg allein von den gesanglichen und untrennbar damit auch von den schauspielerischen Qualitäten der Darsteller der beiden Hauptfiguren Salome und Herodes ab.

Autor: Patricie Částková

Leoš Janáček (1854–1928): Kinderreime, JW V/17 für 9 Stimmen und 10 Instrumentalisten

Bohuslav Martinů (1890–1959): Das Maifest der Brünnlein, H 354, Kantate für Solostimmen, Rezitator, Frauen- oder Kinderchor und Kammerensemble

Hans Krása (1899–1944): Brundibár, Kinderoper in zwei Akten nach dem Libretto von Adolf Hoffmeister

Die ausgelassenen Kinderreime aus dem Jahr 1925 sind eine der wenigen Kompositionen Janáčeks, die auch jüngere Zuhörer ansprechen. Seine Inspiration fand Janáček wie schon einige Male zuvor in der Tageszeitung Lidové noviny, in deren Kinderbeilage Reime mit lustigen Zeichnungen von Josef Lada, Ondřej Sekora oder Jan Hála erschienen. Janáček hatte zu Hause eine ganze Sammlung dieser Kinderseiten. Er wählte acht davon aus und komponierte einen Zyklus kleiner Stücke für drei Mezzosoprane, Klarinette, Klavier und Kindertrommel. Die überaus erfolgreiche Premiere fand am 26. Oktober 1925 im Foyer des Gemeinschaftshauses in Brno statt. Ein Jahr später ergänzte der Komponist seine Kinderreime um zehn weitere Nummern. Außerdem kamen in der Partitur weitere Stimmen und Instrumente sowie jeweils ein kurzes Vor- und Nachspiel hinzu. Interessant ist auch Janáčeks Wunsch, dass bei der Aufführung dieser Komposition bunte Bilder projiziert werden sollten, doch konnten die technischen Möglichkeiten jener Zeit diesen Traum noch nicht erfüllen. Janáčeks Wunsch ging erst 1948 in Erfüllung, als Josef Lada zusammen mit dem Regisseur Eduard Hofman einen Zeichentrickfilm zu den Kinderreimen drehte, was für Lada gleichzeitig die erste Erfahrung mit diesem neuen Genre war. Bei dem Konzert werden die Kinderreime in Begleitung des ursprünglichen Films erklingen.

Das Maifest der Brünnlein ist wohl das bekannteste Werk von Bohuslav Martinů. Der Grund dafür liegt wohl im intimen Bekenntnis der Einsamkeit des Autors und seiner unerfüllten Sehnsucht nach der Rückkehr in seine Heimat, die ihm das kommunistische Regime verwehrte. Es kann nicht verwundern, dass sich der aus dem Bergland der Vysočina stammende Komponist so nach seiner Heimat sehnte, fiel doch sein letzter Besuch bereits in das Jahr 1938. Wohl deshalb mag er so positiv auf den Text des aus Polička gebürtigen Miroslav Bureš reagiert haben, dass er im Jahr 1955 diese fragile Kammerkantate komponierte, die sich auf einen uralten Volksbrauch zur Begrüßung des Frühlings bezieht. Dieses Brauchtum verbindet sich in Martinůs Werk mit der Weisheit des Alters und mit dem Begreifen des sich über Generationen wiederholenden menschlichen Schicksals.

Auch diesmal will das Festival an ein Werk erinnern, das den während des Zweiten Weltkriegs ins Ghetto Theresienstadt deportierten Kindern gewidmet war. Mit der Kinderoper Brundibár von Hans Krása nach einem Text von Adolf Hoffmeister steht das wohl berühmteste mit Theresienstadt verbundene Werk auf dem Programm. Die Oper entstand ursprünglich als Reaktion auf einen Wettbewerb des tschechoslowakischen Schulministeriums aus dem Jahr 1938. Doch die geschichtlichen Ereignisse sorgten dafür, dass es zu keiner Auswertung dieses Wettbewerbs mehr kam. Im Jahr 1941 beschloss der Direktor des Prager jüdischen Waisenhauses, Otto Freudenfeld, die Oper aufzuführen. Der Komponist selbst konnte der Vorstellung jedoch nicht mehr beiwohnen, da er nach Theresienstadt deportiert worden war. Später gelangte auch Freudenfeld nach Theresienstadt, wobei es ihm gelang, den Klavierauszug der Oper mit ins Lager zu schmuggeln. Krása instrumentierte sie neu, und am 23. September 1943 konnte im Saal der Magdeburger Kaserne die feierliche Premiere stattfinden. Die Oper Brundibár über einen Unterdrücker, der von den Kindern und den Tieren gemeinsam bezwungen wird, ließ die Zuschauer wie die Mitwirkenden aus den Reihen der Theresienstädter Kinder wenigstens für eine Weile die Schecken ihres Lebensalltags im Ghetto vergessen. Es braucht wohl kaum betont zu werden, dass viele der Interpreten das Kriegsende nicht mehr erlebten. Auch Hans Krása, der Autor der Oper, wurde 1944 im Konzentrationslager Auschwitz ermordet.

Autor: Jiří Zahrádka

Janáčeks Interesse galt stets auch der Förderung und der Sammlung von Liedern, in denen die Volksfrömmigkeit zum Ausdruck kam. Als seinen Mitarbeiter bei der Volksliedforschung wählte Janáček unter anderem auch Hynek Bím, den er mit der Erkundung des westlichen Mähren betraute. Gerade Bím hielt bei seinen wiederholten Aufenthalten in Vnorovy (damals Znorovy) einen Zyklus alter Kirchenlieder fest, denen er, obgleich sie nur einen Bruchteil der von ihm erfassten Lieder ausmachten, große Aufmerksamkeit schenkte (davon zeugen auch die nicht weniger als sechzehn Briefe, die er mit Janáček zu diesem Thema austauschte). Übrigens war Janáček nach dem frühzeitigen Tod seines Vaters im Jahr 1866 gerade in Vnorovy bei seinem Onkel Jan Janácěk untergekommen (dieser wirkte hier in den Jahren 1870–1878 als Pfarrer). In jener Zeit, als Leoš Janáček hier selbst in der Kirche des Ortes die Orgel spielte, dürfe er die geistlichen Lieder dieses Ortes persönlich kennen gelernt haben.

Die Lieder stehen in direktem Bezug zum Kirchenjahr. Einen Teil davon finden wir in Jan Josef Božans Gesangbuch Die Paradiesnachtigall aus dem Jahr 1719 als dem grundlegenden Vergleichsmaterial, welches noch zu Zeiten der Liedsammeltätigkeit im Jahr 1911 bei Gottesdiensten in der Pfarrkirche von Vnorovy verwendet wurde. Bím notierte (und teils nahm er sie auch mit dem Phonographen auf) Advents-, Weihnachts-, Fasten- und Osterlieder, Lieder zu Ehren von Heiligen sowie Lieder, die sich in ihrem Inhalt auf Ereignisse im Leben eines gläubigen Christen beziehen.

Das Konzert „Kirchenlieder aus Znorovy“ möchte einem breiteren Publikum wenigstens einen Eindruck von diesem Schatz der volkstümlichen Musikkultur bieten, der von der Folkloristik bisher kaum gewürdigt wird. Mit der Auswahl der Lieder werfen wir so mit mehr als hundertjährigem Abstand einen Blick in das geistliche Gesangsrepertoire der genannten Ortschaft in der Mährischen Slowakei. Zu dem Konzert würde eine intimere, am ehesten sakrale Umgebung passen. Unter der Begleitung der Orgel, eines Kammerensembles oder auch a cappella präsentieren sich ausgewählte Gesangssolisten und Chöre aus Vnorovy und Umgebung. Eine Überlegung wert wäre auch ein Tonträger zu diesem ganz außergewöhnlichen Projekt…

Autor: Magdalena Múčková